American Art Story

2011년 2월 19일 버지니아 미술관 (Virginia Museum of Fine Arts)에서, 사진 이은미



오션 파크 시리즈 22번, 1969년
"기질적으로 나는 늘 풍경화가였다."--디벤콘.
(버지니아 미술관 작품 설명에서)

2010년 12월 23일 허시혼 (Hirshhorn Museum http://hirshhorn.si.edu/ ) 지하 1층 전시장에서 촬영

리처드 디벤컨 (Richard Diebenkorn :1922-1993)  은 미국 미술사를 한눈으로 내려다 볼 때, 특별한 '서부지역' 작가로 자리매김을 하는 편이다. 삼백년도 안되는 신생 미국의 미술사를 들여다보면, 필라델피아와 뉴욕이 미술의 중심지로 화가들을 끌어 모았고, 그 이외의 지역에서 활동한 출중한 대가들은 많지 않아 보인다. (지방 미술가들에게 모욕스러운 발언일수 있으나 대략 그러하다는 것이다.) American Regionalism 관련 페이지에 소개된 지역주의 화가들이 주목을 받는 이유도, 잊혀진 미국 중부 대륙을 대표했던 그 지방 화가들이라는데 있다. 20세기 미국 화단에서 먹고 살 만한 집 사람들은 유럽으로 유학을 갔고, 미국에서라면 필라델피아, 뉴욕에 화가들이 모였다.  한국에서 시골 젊은이들과 학생들이 보따리를 싸가지고 서울로 일터를 찾아서, 혹은 공부를 하러 올라가던 것과 흡사하다.

그런 면에서 보자면, 웨인 티보 (  http://americanart.tistory.com/957 ) 나 리차드 디벤컨은 미국 서부해안지역이 자랑할 만한 작가들이라고 할 수있다. (여기도 인물 있다! 이거다.).

그리고 디벤콘의 대표적인 작품이 위에 소개된 Ocean Park 씨리즈라고 할 만하다. 그러니까, 디벤콘이 어떤 작가인지 잘 모르더라도, 미술관에서 위의 작품과 비슷한 것을 발견하게 되면 -- 아마 디벤컨 일걸? 하고 추측해도 대강 정답에 가깝다. 기하학적인 추상화 같은데, 가만 보면, 비행기 타고 가다가 내려다보는 미국 대륙을 닮기도 하였다. 지도를 무한 단순화 작업을 하면 이와 비슷한 형태의 지도가 탄생 할지도 모른다.

위의 작품이 1978년 작품이고, 111번 번호가 붙었다. 그는 오션 파크로써 그의 미술 세계 하나를 새로 탄생 시킨 셈이다. 


어릴 때 부터 미술에 흥미를 보였던 디벤콘, 그의 아버지는 이를 달가워하지 않았다. (사실 아들이 그림쟁이 되겠다고 할 때 이를 반기는 부모가 얼마나 되겠는가). 디벤콘은 아버지의 뜻에 따라서 1940년 스탠포드 대학 일반계열에 진학한다.  2차 대전이 시작되고, 3년후 그는 해병대 장교 훈련을 받으러 버지니아로  떠난다. 청년 디벤콘은 워싱턴 디씨의 미술관등지에서 현대 미술품들을 보면서 미술에 대하여 새로 눈을 뜨게 된다.  전쟁이 끝나고 제대한 그는 샌프란시스코로 돌아와 San Fransisco Art Institute 에 입학한다.

1947년 그는 이 학교에서 강의를 시작하는데 당시에 Clyfford Still 역시 교수진에 있었고, Mark Rothko 는 1947년에서 1948년 사이에 잠시 이 학교에 머무르기도 했다.  후에 그는 University of New Mexico 에서 미술 석사 과정을 밟는다. 그가 1953년 샌프란시스코 미술학교에 다시 돌아올 무렵, 그는 이미 그의 추상 표현주의 미술로 인정을 받고 있었다.
 
그후 잠시 샌프란시스코 지역의 구상주의 미술 운동에 참여하기도 한다. 1966년 UCLA 에 자리를 얻는 그는 산타 모니카 인근의 Ocean Park 에 스튜디오를 장만한다. 그리하여 1967년부터 Ocean Park 시리즈가 탄생하게 되는데, Ocean Park 는 25년간, 그가 죽을 때 까지 그의 세계를 지배하게 된다.

디벤콘의 오션 파크 시리즈및 그의 풍경화를 보는 방법은, 나 자신을 헬리콥터나 비행기에 태웠다고 생각하면 된다. 천미터쯤 상공에서 내려다보이는 해안가 풍경은 어떠할 것인가? 그 풍경을 얀간 단순화 한다면?  그러면, 도로가 보이고, 바다가 보이고, 혹은 푸른 초원이 보일 것이다.

아래에 보이는 작품은 1962년, 그의 오션 파크 스타일의 풍경화가 나오기 전에 그려진 작품이다. 이 작품을, 조금더 단순화한다면 어떤 결과가 나올까?  아마도 무채색의 기하학적 구성이 가능해 질 것이다. 구체적인 풍경이면서, 장차 등장할 오션파크 시리즈의 구도를 담고 있기도 하다. 그래서, 한 작가의 작품들을 시간 순서대로 배열해서 들여다 보는 일도 재미가 있다.

스미소니안 미국미술관 1층, 2011년 10월 이은미 촬영

 

 

아래 콜로라도 시리즈는 모두 1970년 작품으로, 허시혼 미술관 소장품들이다. (2010년 12월 23일 이은미 사진).

 

 

 

 

2011년 10월 26일. 이은미

Cakes (1963) oil on canvas
Wayne Thibaud (1920- presently working)
사진. National Gallery of Art 동관 1층 2010년 1월 16일 이은미 촬영

집으로 날아온 Smithsonian Magazine 2011년 2월 호에 Wayne Thibaud 특집 기사가 실렸다.
http://www.smithsonianmag.com/arts-culture/Wayne-Thiebaud-is-Not-a-Pop-Artist.html
기사를 재미있게 읽고, 내가 갖고 있는 사진파일을 뒤져서 들여다본다.


Wayne Thiebaud (1920 - )   --'웨인 티보' 라고 발음한다-- 는 현재 91세의 현역 화가이다. 2차 대전후의 미국의 현대 미술을 주도했던, 앤디 워홀, 프란츠 클라인, 윌렌 드 쿠닝, 리히텐 스타인등 굵직 굵직한 인물들이 그와 동시대에 활동했다.  오늘에서야 그의 이름 Thibaud 를 '티보'라고 읽을수 있게 되었다.  내가 이 사람 이름을 잘 기억하지 못하고 지나쳤던 이유는 아마도 그의 이름을 어떻게 읽어야 할지 잘 몰라서였을것이다.  정확한 발음을 모를경우 기억하기가 힘들다. (이제는 아마 잊지 않을것도 같다.)

미국의 현대 회화를 지나치다보면 '반드시' 큼직하게 그려진 파이 그림을 만나게 된다. 동글동글한 파이가 모여있거나, 하나가 있거나, 아이스크림을 아주 크게 그려놓거나, 캔디볼이 있거나 이런 그림들이 보인다. 큼직한 미술관에서 이런 그림을 한점 봤다면 '웨인 티보'라고 아는척을 해도 크게 벗어나지는 않을것이다.

이 다양한, 그러나 반복적인 케익 그림은 앤디 워홀의 '갭벨 수프 깡통' 그림을 연상시키는 구석이 있다. '상품'을 그림에 담아 놓은 스타일이 비슷해서일 것이다. 산업사회에서 대중적인 상품들이 가지는 '미적 가치'를 워홀만큼 신나게 대변한 이가 또 있을까. 티보의 케익 그림 역시 이런 스타일을 연상시킨다.  그래서 나는 일단 티보의 케이크 그림을 '팝 아트'에 끼워 넣기로 한다. 

그러나, 티보를 팝 아티스트라고 규정하기는 어려운 일이다. 그가 팝 아트만 한 사람이 아니므로, 그가 팝아트적 작품들로 유명해졌고, 널리 알려진 것은 사실이나, 아직도 진행중인 그의 예술세계는 팝아트를 넘어서 다채로운 시도를 보여주고 있기 때문이다.

스미소니안 기사에서는 (혹은 wayne thiebaud paintings 이미지 검색을 해보면) 그의 매우 매력적인 풍경화들이 소개가 된다. 캘리포니아에서 활동하던 Richard Diebenkorn (1992-1993)의 풍경화 기법의 영향을 받았다고도 하는 티보의 풍경화는 간략하면서도 세밀하고 깊다.

스미소니안 기사를 읽어보면, 티보는 '만화가,' '광고미술가' 등의 이력을 거쳐 뒤늦게 본격 회화의 길에 입문하였다. 그의 이력을 보면 그는 나이 서른이 넘어서 미술 학사와 석사를 받았다. 그 자신, 헐리우드에서 광고나 영화 광고 쪽에서 활동하면서 돈을 많이 버는 일에 열중했다고 한다. 앤디 워홀 역시 상업 미술 분야에서 독보적으로 성장을 했다. 아무래도, 동부에서 앤디 워홀이 상업미술로 돈방석에 오르고 있을 즈음, 서부에서 웨인 티보가 비슷한 이력을 쌓고 있었을지도 모르겠다.

결국 그는 만화, 광고 일러스트레이션, 광고제작등의 이력을 거쳐 자신만의 회화 세계를 열어내기 시작한다. 그런데 그의 그림의 소재들이 가게 진열대의 달콤한 케익, 사탕 항아리, 아이스크림, 오락기등인 것을 보면 광고쟁이로서의 그의 전력이 여전히 그의 회화의 밑거름이 되고 있지 않은가. 광고쟁이가 아니고서야 어떻게 이런 '제품'들을 회화로 구현해 낼 생각을 했을까 말이다.

티보의 그림들을 들여다보면서, 그의 그림 소재가 된 것들의 일관성을 들여다보면서 나는 생각해본다. ...음...문방구에 가서 문방구에 쌓인 것들을 사진기에 담아서 연작으로 그려보면 어떨까. 문방구 풍경, 문방구 안의 아이들, 문방구 앞의 전자 오락기 앞에 앉아서 노는 아이들, 그 앞에 쌓인 장난감 뽑기 껍데기, 그 알록달록한 껍데기 뭐 그런것만 시리즈로. 

티보는 UC Davis 에서 교수 생활을 하다가 70에 은퇴를 했는데, 그 후에도 지금까지 명예교수로 미술 특강을 하는데 여전히 학생들이 몰려 온다고 한다. 나이 90에 현역을 달리는 화가. 참 복받은 사람이라는 생각이 든다. 


특히 나를 사로잡은 그림은 아래의 풍경화. 제목 Brown River, 2002. 그림이 빛에 반사되는 것을 막기 위해서 내 책상 밑으로 들어가 사진을 찍었는데도 아래 부분이 반사가 되었다. 이것은 말하자면 '지도'와 같다. 헬리콥터나 비행기를 타고 공중에서 내려다보는 장면 같은 풍경.  그런데 그림을 들여다보면 그림자의 방향이 일관성이 없고, 그리고 색상이 참 다채롭고 깊다.  그림자의 방향이 왜 일관성이 없을까?  예컨대 왼쪽 상단 구석의 푸른 나무 그림자를 보면 태양이 그 뒷쪽에서 비치는 것 같은데, 강 오늘쪽 굽이진 강둑의 나무 그림자는 오른쪽 위에서 태양이 빛나는 것 처럼 보인다.  어린 아이라 하더라도 빛과 그림자의 이치만 안다면 금세 알아차릴 이런 방향의 불일치를 화가가 몰랐을까?  알았다고 봐야한다. 그러면 그는 왜 이런 장난을 했을까? 이 자도안에 모든 '시간성'을 다 집어 넣고 싶었던걸까? 

 
이렇게 아름다운 '지도' 그림을 보면, 나는 가슴이 쿵쿵 뛴다. 이유는 알 수 없다.  아, 얼마나 매혹적인가.






아래의 그림은 Man in Tree (나무의 남자).  티보가 1978년부터 그리기 시작하여 아직도 작업을 하고 있는 작품이라고 한다. 30년이 넘게 그의 품에서 색을 입어가고 있는 작품이다.  그래서인지 채색이 꽤나 깊다.  그래서인지 화면에서 보석같은 색감이 불빛처럼 흘러나오는 것 같기도 하다.




아 찾았다!

http://americanart.si.edu/images/2004/2004.30.4_1b.jpg
티보의 풍경화가 어딘가 눈에 익어서 뒤져보니, 내가 그의 풍경화를 본 적이 있었다.  어디에 있는지도 생생하게 기억한다. 스미소니안 미국 미술관, 1층.  에드워드 호퍼와 조지아 오키프 그림이 있는 전시장 왼쪽에 이 커다란 풍경화가 걸려있다. 나는 이 그림 앞에서 한참을 이유도 모른채 서성이곤 했었다.  이 '지도'같은 그림 앞에서면, 뭔가 그리워진다. 자동차를 몰고 이 풍경 안으로 들어가고 싶어지는 것이다. 


(위) 2011년 1월 25일 작성


(아래) 2011년 2월 12일 (토) 방문,  작성 (사진 촬영: 박찬홍)
본 페이지 맨 위에 소개된 작품. National Gallery of Art 1층에 전시된 작품. (카메라가 바뀌어서 색감도 조금 차이가 난다). 대략 사람과 비교하여 이정도 규모의 작품.




같은날, 스미소니안 미국 미술관에 전시된 작품. 이작품을 보려면 에드워트 호퍼의 Cape Code Morning 이 전시된 뒷편으로 가면 된다.

위의 이미지를 보면 강물이 연분홍처럼 보이는데, 전시장에가서 원화를 보니 내 카메라에 담긴 이미지가 좀더 원화의 색감에 가까웠다. 강물이 노리끼리한 분홍빛에 가까웠다 (얼핏 노란 탁류를 연상시키는 색감이었다).







(아래) 2011년 10월에 이 전시장에 방문 했을때, 위의 LeVee Farms 가 걸려 있던 자리에 새로운 작품이 전시되고 있었다.  언제나처럼, '티보를 보러 가볼까...'하고 갔는데 새로운 작품이 걸려 있어서 예기치 않았던 선물을 받은듯 그렇게 반갑고 기뻤다.
이러한 풍경화는 동시대에 같은 지역에서 활동을 한 리차드 디벤콘 (Richard Diebenkon http://americanart.tistory.com/1400  )의 풍경화와 많이 닮아있다.  그래서 두사람의 풍경화를 비교해서 보는 일도 재미있다.

(아래) 2011년 4월 12일, 대학원생들과 함께  스미소니안 미국 미술관에 필드트립을 갔던 날, 3층 링컨 갤러리에서 찍은 사진.  이 작품의 제작 년대가 1962년으로 표시 되어 있다. 미국에 앤디 워홀을 위시한 팝아트 운동이 불길처럼 퍼져갈때의 팝아트 작품으로 분류 될 만하다.  팝 아트 페이지에서 간단하게 적은 바 있듯이, 이미 공장에서 대량 생산되어 나온 대상을 들여다보고 그것을 그냥 열심히 그렸다. 앤디 와홀은 스프 깡통이나 포장 상자를 그대로 베끼듯이 그려 댔고, 웨인 티보는 알록달록한 컵케이크들을 그려댔고. 그 와중에 이런 잭폿 기계도 그렸을 것이다.

2011년 4월 12일 스미소니안 미국 미술관 링컨 갤러리.